海姑（中国画）  卢平

美不是空想出来的，她存在于生活的每一个角落，这就需要艺术家去观察、去发现。

我是画人物画的，同时作为女性画家，我对妇女和儿童有着特殊的感情和理解，平常养成了观察生活的习惯，尤其注重对人物的细致观察，比如走在大街上或在日常生活当中，发现某个很入画的女人、小孩，或是很美的景色打动我，我会认真细致地观察，同时有条件的情况下，还得画些写生。把美的瞬间记录下来，作为我创作的素材。因为我深知没有生活中的素材就如同无源之水，创作出来的作品肯定是枯燥乏味概念化，不能打动观者，只有从生活中来的东西才会有旺盛的生命力。

高明的画家懂得描绘自然最美的那一瞬间，而不是机械地再现自然，画家就像一只蜜蜂在万花丛中采集花蕊，吐出来的不是花蕊而是甜美的蜂蜜。我的作品主要是从生活当中汲取营养，汲取生活中美的元素，但绝对不是像照相机一样照搬生活，而是对生活充分观察和深入理解后，经过消化吸收，对生活美进行再现。

我的作品在表现手法上经过“写实—变形—写实”的过程——上世纪80年代初中国美术馆收藏我的《摇篮小曲》等4幅创作，以及入选第六届全国美展的《巴山新市》 ，都是属于写实风格。

后来我的创作风格转入“变形夸张” ，“变形”这个词我认为不太准确，准确地说应该是叫艺术夸张。艺术是需要夸张的，夸张后的东西让人感觉更强烈，更具形式美。十多年前我的作品大多是略带夸张变形，富有装饰意味的工笔人物画。1997年6月我应英国妇女博物馆的邀请去了伦敦，在那里我参观了英国国家博物馆，博物馆里大部分是写实人物画，从15世纪到19世纪，欧洲许多著名绘画大师——伦勃朗、安格尔、梵高、莫奈等人的作品，以前只是在画册中见到过，那次有幸目睹真迹，大开眼界，对我产生了极大的影响。让我感到我以前的变形夸张风格虽然很新颖，很有趣味，但是在人物的内心刻画方面很受局限。我受过美术院校多年的写实训练，打下了深厚的写实基础。但如果只画装饰风格的东西太小品化，展示不出写实的功力，要表现大幅的人物画力作，还必须用写实手法来表现才有力度，才能充分表现人物的内心世界。

从英国回来之后，我就开始往写实方面转变了，转变之后的作品同我以前的写实作品有了很大的区别，无论从造型和表现手法上面都有了质的飞跃。

以前很多学过素描的人在宣纸上画的也是素描，没有真正把它变成中国画。如何把素描的造型功夫转变成中国画的笔墨，这是很多画家多年来研究的课题，这些年我一直在做这方面的探索。笔墨当随时代，新的时代就要研究新的表现方法，但是不管中国画吸收多少新鲜血液，也不能在宣纸上画西画，它仍然是中国画。前人留下的技法也是在不断实践当中得来的。有时也有点像科学实验，一种新的手法也要经过反复实验才能成功。我比较喜欢尝试一些新的东西，路是人走出来的。

我现在画的小写意是从工笔画中演变过来。工笔画能刻画得很深入细致，色彩也很丰富，但是它由于受到熟宣纸的局限，画不出水墨淋漓酣畅的韵味。我们祖先发明了生宣纸这种材料是一绝，水墨能在生宣纸上产生无穷的变化。但是要在生宣纸上画精致细腻的东西就不好掌握，所以传统的中国画是把工笔和写意截然分开的。前几年我在中国画和西洋画色彩的融合方面找到一些办法，后来我想把工笔画的优点和写意画的优势两者结合在一起岂不更完美？齐白石的作品给我很大的启发，他先在生宣纸上勾出非常精细的草虫来，然后再用泼墨画上几笔，感觉画面收放有致极具艺术魅力。为什么不能将这种画法用在人物画创作上来呢？于是我又开始了这方面的探索。很多人对我作品的评论是“像工笔画，但不是纯粹的工笔画，像写意画也不是纯粹的写意画，有西画的色彩但仍然是中国画，看卢平的画就像读一首抒情的田园诗” 。

绘画要有诗的意境也是我所追求的。平时除了画画之外我还喜欢音乐、诗歌等其它艺术门类，我认为艺术是相通的，多了解其它姊妹艺术对绘画是有帮助的。艺术的本质是“情” ，创作一幅作品首先自己要动情，要想感动别人首先要打动自己。中国传统的人物画就强调，“传神”“以形写神，形神兼备” 。传神并不局限于人物面部表情，一个动作，一个场景也能传神，也有感染力。美并不局限于传统的视角形象，有时“情”也是一种美——生活当中一个老头满脸的皱纹你可能会觉得他很丑，但是你把他画出来，画得栩栩如生就会觉得这幅画很美。我比较注重意境的渲染，创作每一幅作品时我想的不是怎样去画，而是把它当成一首音乐，或是一首诗歌，这幅画是轻音乐，那幅画是钢琴曲…… “迁想妙得”就像一名演员要进入角色，画家画画也是这样，只有这样画出来的作品才能打动人给人以美感。

人物的刻画与环境的处理要协调统一，画家既是演员也是导演。要想画好画要提高多方面的修养，一件好的作品应该是画家本人真挚感情的流露，画家画到一定的高度，就不仅仅是表现技巧了，而是画家全面修养的再现。美的图画源自生活，高超的技艺是塑造美的前提，情感的抒发是美的升华。一个优秀的画家，要注意提高全面的修养才能使自己的作品更上一层楼。