近在咫尺—国际大师版画展

2021年4月27日-2021年5月23日

开幕时间：2021年4月25日下午15:00（待定）

展览地点：今日美术馆1号馆3层

主办单位：北京今日美术馆、HENI

艺术家：阿克塞利·加伦-卡莱拉、阿尔贝托·贾科梅蒂、布莱恩·克拉克、达明安·赫斯特、弗兰西斯·培根、格哈德·里希特、卢锡安·弗洛伊德

当今时代效率之快，令人瞠目。原本遥远的事物，如今因网络的便利而唾手可获，由此发生的轻重倒置、虚实周转、冷暖相切，让我们勉为适应。反而，本就近在咫尺的事物，却日渐疏离，甚至陌生，及至珍贵不可得。人们对艺术现场的感知，这种真切的物我关系，不应因这种演变而被忽视，更实难被取代。展览”近在咫尺”便以此为绳，将达明安·赫斯特、弗兰西斯·培根、格哈德·里希特、卢锡安·弗洛伊德等国际艺术大师的版画、壁毯和屏风等艺术形式集结呈现，让公众有机会与之面对面相遇，本次展览由今日美术馆联合英国艺术机构HENI共同为中国观众推出。

当代艺术语境之下，艺术家对于观念的传递、语言的探索，以及媒介的实践，通过可及的展出作品，不仅触发观者的心理感知、衍生丰沛四射的思考，还从创作背景中自然显现的共情中延宕开来，更可叩响四海皆在的生与死、虚与存。这些曾在远方绰绰的光，在这里却可以真切地相望并对话了。

HENI艺术影像，通过追踪、记录并研究艺术家不懈前行的创作，与公众分享智者之间的对话，并细入无间地讲述艺术背后的故事；HENI艺术出版，则着眼于以严谨的方式，对美术史与艺术面貌进行客观梳理和呈现，用沉淀的思考激发人们自我意识的觉知。

无论是从时空、文化还是观念的维度，“距离”本是重要的美学命题。不可置否，这些尺度的存在，让我们在面对艺术作品、艺术史与艺术批评时，增添了敬意，更激发好奇的探寻。但艺术本身，与广泛大众之间，却不应疏离。作为平台、桥梁和纽带，我们相信艺术是人类精神的本原，亦可鼓舞人心，希望能一同在艺术发展的轨迹之上，跨越物理时空的距离，以及时代与文化的屏障，为大家带来精神上的餍足。

格哈德·里希特

抽象绘画

纸本裱铝板

92 x 126cm

共500版

以格哈德·里希特1990年的同名绘画为基础，《抽象绘画》（ Abstraktes Bild）是一幅由HENI在2014年发行的限量版画。这幅作品以红色、蓝色和黄色这些相互融合的强烈对比色为主，通过里希特那标志性的，运用刮板将色彩在画布表面刮开的方式制作而成。这种厚涂法并非是在暗示可辨认的形状或形式，而是带着其难以捉摸的精髓分散到不同厚度的层次中。

里希特充满力量与沉思的抽象画从他终其一生对艺术史的探索中发展而来。这些富有触感和魅力的表面在很大程度上受到抽象表现主义、极简主义，甚至是莫奈的后印象主义的日落研究所影响。然而，与这些灵感来源不同的是，里希特选择放弃个性化的笔触，而是用固定在木质手柄上的珀斯佩（Perspex）刮板刮擦画布，创造出看似机械的作品。

《抽象绘画》那流畅优美的多色层和些微的红色颜料令人回味无穷却又无法被解释，似乎是里希特的哲学写照："谈论绘画......也许是毫无意义的。你只能用文字表达文字所能表达的东西......而绘画与此无关。"

格哈德·里希特

凯奇系列1

纸本裱复合铝板 Diasec专利装裱工艺

100 x 100cm

共200版

2020年，以里希特著名的“凯奇”( ‘Cage’)系列画作为基础，HENI Editions与格哈德·里希特合作推出六幅限量版画。这六幅版画对应着六幅“凯奇”画作（1-6），每幅画作都缩小到1米见方。

"凯奇 "系列作品被泰特美术馆长期借展。这一创作于2006年的系列画作是向伟大的实验作曲家约翰·凯奇（John Cage，1912-1992年）的致敬，里希特十分仰慕他，在创作这些作品的过程中也一直在聆听凯奇的音乐。这些画作于2007年在威尼斯双年展上首次亮相。 

在这些正方形的抽象画中，里希特用他自制的刮板在画布表面推拉，留下或水平或垂直的痕迹，好像有永无止尽的色层一般。这些由灰色、红色、绿色、黄色、白色和蓝色组成的色带被里希特的刮板陆续破坏。里希特通过这种流畅的绘画技法在画布表面形成了厚重的层次，画面高低不平而有质感，被刮开的色块下方会显露出令人惊喜的色彩。

达明安·赫斯特

浸入无限 - 梦境，2016

提花织毯

250 x 250cm

有签名 版数20+4AP

达明安·赫斯特创作于2016年的提花编织挂毯《浸入无限——梦境》（Enter the Infinite – Dream）充满着丰富的动态，其中蓝色、黄色和绿色沿垂直射出，绿色、黄色和红色沿水平射出。以 一幅"旋转绘画 "（‘Spin Painting’）为基础，赫斯特通过细致的分割、反思和重复的理性过程，将其随机性的美学并置。

然而，这种精确性却产生了一阵阵的视觉反应。挂毯将人们的视线带入一个不安的旅程，迅速被吸引进作品的中心，又立即被带离。视野无法容纳色彩的图案和内外运动的变化，而产生了对其极限和功能的反思。

赫斯特对眼睛的实验也体现在媒介选择上。提花编织的挂毯用到的精选原色会被双眼在视觉上融合。该作品也让人联想到古往今来，挂毯与价值、美感、神圣的艺术制作和寓言等概念的联系。 

《浸入无限——梦境》在视觉上很有冲击力，它将旋转技术那高速运转的瞬间捕捉并定格下来。被扩大和强调的动态构成了作品的形式和画面。这其中充满了存在与不存在、运动与静止的视觉张力，呈现出这幅令人惊叹的作品。

达明安·赫斯特

龙安寺，2020

纸本裱铝板 Diasec专利装裱工艺

92 x 2126cm

有签名 版数75+5AP

2020年，达明安·赫斯特和HENI Editions合作推出了H4系列版画。这些采用Diasec专利工艺，裱于铝板的版画是基于赫斯特面纱绘画（Veil Paintings）制作而成的，命名为《库肯霍夫公园》（Keukenhof）、《邱园》（Kew）、《东芭》（Nong Nooch）和《良安寺》（Ryoanji）。

面纱绘画以赫斯特1990年代的 "视觉糖果 "系列绘画为出发点，于2018年面世。其中大量运用了色彩和动作性的绘画方式。该系列借鉴了印象派与抽象表现主义，用厚重而明亮的色彩将观者包裹在广阔的色域之中。 

受到乔治·修拉（Georges Seurat）的点彩主义革新和皮埃尔·博纳尔（Pierre Bonnard）的后印象派绘画启发，赫斯特在 "面纱绘画 "中继续探讨了色彩以及色彩对于眼睛的影响。达明安·赫斯特曾这样描述这个系列："面纱是屏障，是两个物件之间的幕布；你可以看到它，也可以穿过它；它有实体，却又似无形；可以揭开亦可掩盖真相，它是我们正在寻找的东西。"

布莱恩·克拉克

盛樱，2017

彩色玻璃

204 x 252cm

有签名 版数10+3AP

布莱恩·克拉克的彩色玻璃折叠屏风系列作品最初构思于20世纪80年代，从2015年开始进行创作，可以说是代表了这种媒介在历史上最重要的艺术和技术发展节点之一。这些可移动、独立的屏风去除了传统上将彩色玻璃窗中的玻璃片连接在一起的铅丝。这样一来，这些屏风解放了玻璃，并折射、投射出立体的光线和色彩。

在这一系列作品中，无论是从技术上还是对于这种媒介的态度上，克拉克都充满了先锋、探索的精神。依靠技术进步，作品的玻璃材质变得更耐腐蚀，并可以摆脱铅的结构，由此释放出彩色玻璃更多的表现力与可能性。

受植物学和宇宙学的启发，这些屏风将空灵之美与结构功能相结合。它们构成的强大而又精致的空间感，通过艳丽的色彩和经过思虑的构图表达出来。

这些玻璃屏风体现了克拉克想要直接与观众建立关联的创作理念。它们既能引发概念性的问题，又能让人们感受到亲密无间的超然时刻。在这些作品中，观众可以感受到克拉克作品中始终如一的秩序与混沌、规律的线条与自由、抽象色彩与条理的对立与结合。玻璃屏风构成了一个想象力自成一体的场所。

弗兰西斯·培根

纪念乔治·戴尔 三连作，2016

纸本裱复合铝板 Diasec专利装裱工艺

198 x 147.5 cm

共250版

弗兰西斯·培根的三联画 《纪念乔治·戴尔》（In Memory of George Dyer）（1971）是对同年因用药过度而去世的爱人的回应。作为与戴尔之死有关的众多肖像画中的第一幅，这幅作品在2016年由HENI Editions制作成一系列精美的裱铝板限量版画。 

在平坦的淡粉色背景上，培根用他标志性的可延展的怪异人体来描绘、纪念他的爱人。 他与戴尔之间温暖、浪漫、艺术的关系通过左侧画幅中两个肉体的相拥来体现；中间的那幅则展现了一个在解构的建筑环境中孤立的影子；右侧画幅中，戴尔既是艺术主体，又是一具尸体，两者相互映衬，充满了内疚感。 

 这组三联作品成为了他面对爱与失去的一种尝试，是培根和与此相关的羞耻感和悔恨感持续斗争的见证。 他的哀悼通过黑暗和光明、阴影和形式交替出现，体现了他面对死亡悲剧时的内疚感。《纪念乔治·戴尔》涉及到创伤与痛苦，是对人类脆弱和不堪一击的证明。

卢锡安·弗洛伊德

约翰·明顿的肖像，2016

纸本裱复合铝板 Diasec专利装裱工艺

41 x 26 cm

2016年，卢锡安·弗洛伊德基金会与HENI Editions合作，推出了《约翰·明顿的肖像》（Portrait ofJohn Minton）的版画。原作画于1952年，于1957年遗赠给英国皇家艺术学院。明顿是一位画家和插图师，他在皇家艺术学院教授传统解剖学绘画和人物画，是弗洛伊德的朋友。在这幅肖像画中，他的脸部即为画面的主体，表情丰富，但似乎略显懊恼，表现了一个令人难忘的压抑绝望的形象。

弗洛伊德或被认为是20世纪最伟大的肖像画家，他的创作是出了名的费功夫，不仅需要准备大量的素描小稿，还需要与他的绘画对象进行深刻的情感交流。他的肖像画亲切且饱含丰富的情感，从浓重的色调和质地中提取独立的真相，来对身体特征进行审视。尽管如此，弗洛伊德将他的肖像画转化为一种自传体的概念，将客观的视觉与主观记忆和感官体验混合在一起。

 虽然在艺术创作历程中，弗洛伊德的大部分时间都专注于肖像画，但他的绘画手法在70年间发生了显著的变化。20世纪40年代和50年代的作品，如 《约翰·明顿的肖像 》，通过深色颜料的使用和细腻的笔触描绘肤色。而在后来的几十年里，他的画作变得活泼、无拘无束，摒弃了平面风格，变得更具绘画性。

在《约翰·明顿的肖像》以及弗洛伊德的艺术实践中，最突出的特点就是表现对于人类状况的原始洞察力，这也许是他从祖父——精神分析学家西格蒙德·弗洛伊德（Sigmund Freud）那里继承来的。弗洛伊德规避了常规化和理想化的表现方法，不断地拓宽他的主题的边界。

阿尔贝托·贾科梅蒂

卡洛琳，2016

纸本裱复合铝板 Diasec专利装裱工艺

100 x 82 cm

共500版

《卡洛琳》（Caroline）是阿尔贝托·贾科梅蒂于1961年创作的一幅肖像画，由HENI Editions于2016年发布其高清限量版画。这件作品体现了艺术家对通过面部表现生命活力和情感之可能性的迷恋。

卡洛琳是贾科梅蒂的情妇和缪斯女神的化名，他在1958年认识了卡洛琳，后者成为贾科梅蒂后来众多艺术作品的主题。在这幅作品中，她正面端坐，像正统信仰中的圣像或古埃及的僧侣体图像一样面朝外。她看似带有不满的神情显然是在向观者提出视觉和知觉上的挑战。她黝黑的脸庞上布满了密密麻麻的曲线，散发着神秘和暧昧的气息。画像进描绘了腰部以上的人像，她交叉着双臂，身着简单的红色外套。背景未做修饰，只是在身体周围加了一个边框。

这幅以卡洛琳浓厚的个人特征为主的肖像画看似简单，却表达了贾科梅蒂的艺术信念，即脸部是人物的核心；而脸部的显现取决于对身体和背景的描绘。由此，这件作品似乎存在于一种正在形成的状态，介于具象与抽象之间，就像卡洛琳暧昧的目光一样，是时刻变化的。

阿克塞利·加伦·卡勒拉

凯特湖，2019

纸本裱复合铝板 Diasec专利装裱工艺

53 x 66cm

共500版

HENI Editions与英国国家美术馆（National Gallery）合作，推出了阿克塞利·加伦-卡莱拉（Akseli Gallen-Kallela）的独家限量版画《凯特湖》（Lake Keitele）。这幅版画基于原作的高分辨率照片，运用Diasec专利工艺裱在铝板上。 

1904年夏天，芬兰现代绘画的领军人物加伦-卡莱拉在赫尔辛基以北的凯特湖进行创作。这幅风景画于1905年完成，是他最精美的作品之一，同年在赫尔辛基展出。 

《凯特湖》是芬兰艺术家阿克塞利·加伦-卡莱拉于1905年完成的一幅风景画。作为描绘芬兰乡村系列作品的一部分，这幅画在位于伦敦的国家美术馆内展出。它于2017年由 HENI  Editions制作成系列版画。

平整、宽阔的笔触描绘出湖水那蓝色色调的对角线带。背景中的山和云则用高更和梵高等后印象派和野兽派画家的简洁风格来表现。他们都是备受加伦-卡莱拉青睐的艺术家。这幅画的光滑纹理和清晰的色带所参考的彩色玻璃设计和传统的芬兰纺织技术都是艺术家毕生的实践。

和加伦-卡莱拉其他的作品一样，《凯特湖》的灵感来源于《卡莱瓦拉》（Kalevala）这首诗，它收集了芬兰的口述神话和传统。这幅画里没有任何人物，但通过湖面上的锯齿形造型暗示人的存在。艺术家说，这是在历险中穿越湖面的维纳莫宁（Väinämöinen）的影子。仿佛被传送到诗歌的叙述中，观者就像是漂浮在水面上，而不是在岸边，被带进画布的想象空间中。

加伦-卡莱拉以其政治抱负而闻名，这呼应了19世纪末反对俄罗斯帝国压迫的芬兰民族主义。他的美学强调将风景与神话联系在一起，说明一个集体的过去和一个共同的文化框架将推动政治自治事业。在《凯特湖》中，对自然的静默沉思与对古代神话的敬畏和对当代政治问题的激情相结合。湖面的平静不受人类活动污染，反映了对独立和自由的象征性和情感追求。